El trabajo final que he elegido es "Otro punto de vista". He escogido algunas imagenes de mis compañeros y las he comentado, algunas las he recortado para dar otro enfoque, pero por lo general comento lo que representan para mí esas fotografías y las reglas fotográficas que tienen.
miércoles, 3 de junio de 2020
lunes, 4 de mayo de 2020
FOTO REPRESENTATIVA DEL CONFINAMIENTO
Desde que comenzó la cuarentena nos hemos visto obligados a trabajar y estudiar desde casa, intentando llevar el ritmo habitual, sin embargo es más complicado de lo que nos pensábamos. Estando en casa tenemos muchas más distracciones y esta foto es un claro ejemplo de ello. En esta imagen está mi madre teletrabajando en el despacho de casa, pero tenemos una perra, y está encantada de tenernos a todos en casa estas semanas, así que sus rutinas han cambiado y ahora se mete debajo de los escritorios mientras mis padres, yo o mi hermano estamos trabajando en ellos.
Se cogió la costumbre de salir a aplaudir a las ocho por todas aquellas personas que están trabajando durante estos momentos difíciles, para mostrar el agradecimiento por todo lo que están haciendo por nosotros. En esta foto se ve como los vecinos empiezan a salir para aplaudir mientras ponen música que resuena por toda la urbanización, algunos de ellos también se ponen a hablar de un piso a otro puesto que no tenemos permitido salir o vernos.
martes, 25 de febrero de 2020
TÉCNICAS DE FRAGMENTACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO
TÉCNICAS DE FRAGMENTACIÓN DEL ESPACIO ESCÉNICO
Plano, toma, escena y secuencia.
Estos cuatro términos hacen referencia al punto de vista del espectador.
El plano es la perspectiva en la que vamos a encuadrar todos los elementos de las escena para luego ofrecerselo al espectador para que se pueda sentir partícipe de ello. El plano es el fragmento más pequeño del lenguaje audiovisual, equivalente a una única toma sin cortes. En fotografía, pintura e ilustración hace referencia al punto de vista y en cómica a las viñetas. Dentro del sonido se llama plano de presencia y es la profundidad de campo de sonido.
La toma es lo que se registra, independientemente del soporte, desde que se da al botón de grabar hasta que se para de grabar.
Una escena es parte de una obra dramática, creando una unidad de significado y contenido engarzados de forma continua y sin cortes. Es una unidad de acción delimitada por el espacio y por el tiempo.
Una secuencia es la mayor unidad de significado, se puede ver como una colección de escenas interrelacionadas por una unidad de tiempo o de espacio.
Tipología y características del plano.
Según el tamaño del plano:
Según el ángulo visual:
- Plano general o panorámica: se intenta capturar la mayor parte de la escena.
- Plano entero o plano figura: ocupa todo el encuadre, se suele dejar menos "aire" por los laterales.
- Plano americano o plano tres cuartos: aquel en el que la escena se divide en cuatro zonas y solo se escogen tres, aquellas de la cabeza a la parte superior de la rodilla.
- Plano medio corto: se corta la escena por el pecho aproximadamente hasta la cabeza, funciona para separar a la persona del contexto de la escena.
- Primer plano: en este caso el plano se corta por los hombros y sigue hasta la cabeza. Acerca mucho más el espectador al sujeto, es el plano perfecto para las escenas íntimas.
- Primerísimo plano o plano italiano: la cara del sujeto es lo más importante , desde la barbilla hasta la mitad de la frente.
- Plano detalle: no se centra en el sujeto, se trata de mostrar una zona determinada de la escena.
Según el ángulo visual:
- Plano neutro o normal: también llamado plano frontal. En este tipo de plano la cámara se coloca paralela al suelo, delante del modelo y a la altura de sus ojos.
- Plano picado: se coloca la cámara a una altura aproximada a la de los ojos, para transmitir una sensación de inferioridad y fragilidad.
- Plano contrapicado: se sitúa justo enfrente del sujeto, a una altura por debajo de la de sus ojos. El objetivo debe estar orientado al techo. Se puede mostrar al sujeto más fuerte, mostrarle más importante.
- Plano nadir: se sitúa la cámara justo debajo del sujeto, de forma perpendicular al suelo.Se obtiene una escena mucho más dramática y dinámica
- Plano cenital: desde encima del sujeto. Buen plano para componer sombras o la colocación de los objetos de la escena. De forma perpendicular al suelo.
- Plano holandés: se consigue una escena mucho más dinámica e inestable, perfecto para las escenas de acción.
- Plano semisubjetivo: nos introduce dentro de una escena como espectadores.
- Plano escorzo: es el más utilizado en el cine para las conversaciones entre dos personas, también en entrevistas de televisión con un ambiente más íntimo y cercano.
- Plano lateral: la cámara está colocada a un lado del sujeto, mostrando su perfil.
sábado, 8 de febrero de 2020
Esclava.
Pesan tus pestañas cubiertas
por escarcha de lágrimas heladas.
Mujer esclava, usada y mancillada.
Mujer que sufres la ignominia
de una sociedad que calla…
y acepta… y consiente…
Trafican con tu cuerpo
arrancando dignidad y esperanza.
Y se te hielan las lágrimas entre surcos
de maquillaje rancio y cuarteado.
Herida en tu fortaleza y sometida,
un pozo negro e infame quiere anularte.
Y el cuerpo se quiebra y el Alma agoniza…
pero tú te levantas y gritas;
aúllas dolorida reclamando justicia.
Ave Fénix que renaces
desde la inmensidad del sufrimiento,
delatando en tus ojos
y acepta… y consiente…
sin transparencia ni sonrojo.
viernes, 24 de enero de 2020
Chema Madoz
CHEMA MADOZ
BIOGRAFÍA
José María Rodríguez Madoz o más conocido como Chema Madoz nació en Madrid el 20 de enero de 1958. Estudió Historia del arte en la Universidad Complutense de Madrid y más tarde decidió estudiar fotografía en el Centro de Enseñanza La Imagen. Chema comenzó su carrera como artista fotográfico y en muy poco tiempo desarrolló un estilo que le dio a cada una de sus obras un sello único y personal.
El ambiente de la época, los famosos años de la movida madrileña, influyeron en su determinación, en la valentía que se respiraba en el aire por intentar ser uno mismo y perseguir tus sueños.
Lo que hubo al principio fue un acto de fe, dejar un trabajo fijo en un banco para intentar vivir de lo que de verdad le apasionaba. Él ya sabía que se había topado con una veta creativa, que en su caso, se convertiría en oro puro. Y ahí siguió dándole vueltas a la realidad hasta que encontró un lenguaje propio, lo más difícil y lo único que podría convertirle en el artista que es hoy.
La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante de su fotografía hasta a fecha. En 1991 el Museo nacional centro de arte Reina Sofía mostró la exposición "Cuatro Direcciones: Fotografía contemporánea Española". Ese mismo año recibió el Premio Kodak.
En el 2000, el fotógrafo madrileño recibió el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año, la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor destacado". Su obra sobrepasa las fronteras españolas llegando no solo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia). Ese año recibió el premio Higashikawa, en Japón.
En los siguientes documentales podremos aprender un poco más sobre la vida y el arte de Chema Madoz, nos cuenta cómo se inspiró para hacer sus fotografías y el modo que tiene para trabajar.
OBRA ARTÍSTICA
“Chema Madoz descubre lo extraordinario dentro de lo cotidiano”. Esta frase, quizá, resume la característica principal del trabajo de Chema Madoz. Sus fotografías pueden ser consideradas como poemas visuales, nos muestra objetos cotidianos distorsionados de formas surrealistas, incluso haciendo ilusones ópticas al alterar su uso original.
Todas y cada una de sus fotografías tienen diversas lecturas. La minuciosidad de cada detalle en unas fotos aparentemente sencillas, logra que la atención se dirija a aquello que nos hace reflexionar para darnos cuenta de que la única realidad es la multiplicidad de realidades.
Primero imagina, trastoca y tergiversa, y una vez que ha “soñado” la imagen, entonces entra en acción su cámara tomando nota de lo imaginado. Primero realiza un boceto del objeto que quiere usar para tener una aproximación de lo que sería el resultado final y así ve si lo que imagina funciona o no, luego ya va la cámara.
Con esa capacidad común a los poetas, la de ver más allá de la realidad, la de intuir otros mundos que están en este pero ocultos para la mayoría, ha ido levantando una obra que sorprende, nueva, única y en blanco y negro.Pero es mejor ver sus fotos que explicarlas; su peso, la composición y el tamaño… Porque otra de las habilidades especiales de Madoz consiste en saber detectar la escala exacta que deben tener sus objetos, las dislocaciones del sentido al tamaño exacto.
Sus imágenes son absolutamente reales, apegadas a los objetos, muchos de ellos de uso cotidiano, humildes, como un dedal o un pan de pueblo. Otras más sofisticadas, elegantes, algunas punzantes, casi todas silenciosas. Enhebradas muchas de ellas por un hilo de humor fino.
COMENTARIO DE IMÁGENES
En esta imagen se puede observar la hoja de un árbol con marcas de algunas palabras escritas en ella, podría ser una metáfora sobre como en ocasiones hacemos un uso excesivo de hojas de papel en las que escribimos, usándolas para cosas pequeñas o sin importancia, sin ser verdaderamente conscientes de que cuantos más folios gastemos, más árboles van a ser talados.
En esta fotografía se muestra un reloj de muñeca con las vías de un tren simulando sus correas, esto podría hacer referencia a la rapidez del paso del tiempo, como sin darnos cuenta pasan las horas y no aprovechamos al máximo.
Esta fotografía muestra un birrete con una alcantarilla en la parte superior, en ella Chema Madoz está haciendo una crítica a la educación, al modo en el que los alumnos nos pasamos años memorizando conceptos y soltándolos en los exámenes para que al poco de haber hecho la prueba lo olvidemos y sustituyamos esa información por una nueva.
En esta imagen aparece un blister con los huecos de un par de pastillas y como si un cargador estuviera enchufado a él, hace referencia a la adicción que tienen algunas personas a las pastillas, al hecho de que llegan a un punto en el que si no han consumido no saben cómo vivir.
viernes, 6 de diciembre de 2019
Reglas y errores de la fotografía.
REGLAS DE LA FOTOGRAFÍA
1. Identifica el centro de interés.
Debería ser obvio para cualquiera que mire una fotografía entender lo que queremos enseñar con la foto. Aunque se denomine centro, el centro de interés no tiene que ser necesariamente el objeto que este colocado en el centro de la foto ni ser el que ocupa la mayor parte de la imagen.
La elección del centro de interés es lo mas importante, simplemente decide bien antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía.
2. Rellena el encuadre.
Si queremos contar algo en una foto, ocupemos la mayor parte con ese "algo" asegurándonos de que se convierte de ese modo en el centro de atención. Ademas, de este modo eliminamos posibles elementos que resten atención.
3. Apóyate en las líneas
Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las línea nos aporta formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de una parte de la foto a otra.
Las líneas horizontales, verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las imágenes. Un tipo especial de líneas son las líneas convergentes. Son las líneas paralelas que, por el efecto de la distancia, acaban convergiendo en un mismo punto.
4. Trabaja el flujo.
Después de las líneas, podemos trabajar el flujo. En fotografía, el flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas.
El flujo crea la ilusión de movimiento o ausencia de movimiento si se desea. Un equilibrio cuidadoso de elementos estaticos y dinamicos dará un sentido global de movimiento a tu fotografías.
5. Juega con la dirección.
La dirección también crea la ilusión de movimiento.Si hay algo en la fotografía que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
6. Los elementos repetidos.
La repetición de algún elemento dan un sentido de relación de distintas partes de una imagen. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.
7. Los colores siempre dicen algo.
Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules verdes y violetas forman partes de la banda de colores fríos.
Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores por lo que el color tiene una importancia determinante en la composición en fotografía. También hay que prestar atención al contraste tonal, la diferencia de luminosidad entre las partes de nuestra foto.
8. El interés de los grupos de tres.
En la fotografía suele funcionar la agrupación de tres elementos como centro de interes debido a que un único elemento puede transmitir soledad, dos demasiado estático y cuatro ya resultan demasiados elementos.
9. La regla de los tercios.
Es un medio simple de aproximación a la proporción áurea, que trata la distribución del espacio dentro de la imagen que genera una mayor atracción respecto al centro de interés.
Con esta regla conseguirás dotar a tus fotografías de una sensación de profundidad y lograrás que se aprecie un mayor equilibrio, guiando al ojo del espectador directamente al punto de mayor interés
Divide la imagen en nueve partes iguales y los cuatro puntos de intersección de las líneas son los puntos adecuados para situar el centro de interés de nuestra foto.
En caso de que haya varios elementos es recomendable buscar dos puntos que sean opuestos formando una diagonal en la foto.
10. El espacio negativo.
Se considera espacio en negativo a los grandes espacios vacios, normalmente en blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.
El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad, aislamiento o calma.
11. Trabajando las tres dimensiones: Frente y fondo.
Lo importante en el frente y el fondo es que no haya demasiados detalles que puedan distraer la vista del espectador del centro de interés. La mejor herramienta con la que contamos para marcar la diferencia entre el frente y el fondo de nuestra foto es la profundidad de campo.
12. El enmarcado natural.
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto, cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado. Puertas, ventanas o puentes son muy claros, pero también lo pueden ser las ramas de los árboles o una señal de tráfico.
13. Las curvas en S.
Son elementos muy comunes en la fotografía, se relacionan con la sensualidad, aunque también ayudan en el movimiento y a transmitir la mirada. Son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.
ERRORES EN LA FOTOGRAFÍA
1. El centro de la imagen.
Lo más habitual es que al momento de hacer una foto pensemos que nuestro protagonista debe de estar en el centro de la imagen por que así tendrá mas protagonismo pero no es así, lo podemos ver en La Regla de los Tercios.
2. Dar aire y espacio a la composición.
Muchas veces al momento de hacer una foto solemos meter a nuestro objetivo en el encuadre no dejando "respirar" a la foto, es cierto que en algunos tipos de fotos esto está perfectamente correcto por ejemplo en los retratos o la fotografía macro. pero en otras situaciones con sujetos en movimiento, esto lo podemos solucionar con diferentes reglas como la regla del movimiento o la regla de la mirada, que hablan de la necesidad de espacio para el sujeto en la foto.
3. Elegir bien el balance de blancos.
Para nosotros los humanos nos es sencillo determinar el balance de blancos, pero para una cámara no lo es y por eso tenemos que darle información del tipo de iluminación y en función de esta iluminación la cámara puede interpretar adecuadamente el blanco y devolvernos colores adecuados.
Si lo hacemos de forma incorrecta, por ejemplo seleccionamos un balance de blancos de día soleado pero esta nublado la imagen se teñirá de un color azulado, en primer lugar, disparar en modo RAW para poder variar el balance de blancos sin perdida de información en la post-producción de la imagen. En segundo lugar puedes ayudarte de elementos como tarjetas de grises o de color para un adecuado balance.
4. No sobrexpongas o subexpongas tu imagen.
Decíamos que la cámara no sabe determinar el blanco a nivel de color, pero tampoco a nivel de exposición. De hecho nuestra cámara busca una exposición adecuada, lo que se conoce como gris medio, para las imágenes que no cumplen con esto.
5. Enfocar sobre el punto de interés.
Por muy bien pensada que esté la composición de la imagen, sabes que nuestros ojos sólo podrán "descansar" sobre aquellos sujetos que estén correctamente enfocados y nítidos.
6. Busca un buen fondo.
Cuando vamos a tomar una foto nos fijamos mucho en nuestro protagonista, una vez tenemos claro con lo que vamos a llamar la atención del espectador, tendemos a disparar rápidamente. Sin embargo esto nos lleva a no pensar que el fondo de la composición puede arruinar el primer plano, por muy bueno que sea.
7. Consigue un horizonte recto.
Este error suele originarse por centrarse excesivamente en el sujeto principal de la composición y olvidar que es más recomendable que la línea del horizonte esté recta, pues de lo contrario, generará cierta ansiedad en el observador al no dar una sensación de equilibrio.
8. Simplifica tus imágenes.
Este otro error habitual, tratar de incluir multitud de elementos en la fotografía, bien porque hay muchos en la escena o bien porque resulta difícil separarlos del objeto al que se quiere dar el verdadero protagonismo en la imagen.
9. Busca profundidad para superar la bidimensional.
Este error no es fácil detectarlo sin la debida experiencia, aunque cuando te lo cuentan, empiezas a darte cuenta de que, efectivamente hay que superar la limitación que impone la fotografía: solo dos dimensiones.
10. Analizar la luz de la escena antes de disparar.
De nuevo un error que cometemos al centrarnos en el sujeto a fotografiar y no considerar elementos fundamentales para el resultado final como es la luz de la escena. Cuando hacemos esto puede que retratemos algo único, pero si la luz no ha sido cuidada tendremos un problema: es posible que no tengamos una exposición homogénea o que tengamos un sujeto iluminado de forma irregular.
sábado, 23 de noviembre de 2019
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